VISITAS GUIADAS ABIERTAS AL PÚBLICO
⁠13 de abril, 5 de mayo, 25 de mayo
⁠25 de mayo guiñol de Lluis Aleixandre para niños

EVENTOS PROGRAMA PÚBLICO
9 de mayo con Ignacio Galán

16 marzo – Lluvias, Descargas y Descobrimientos de lo reprimido
13 abril – Escuchando el Hielo
9 mayo – Válvulas, Tuberías y Fluidos Compartidos
23 mayo – El Régimen Líquido de los Fluidos Corporales
24 mayo – Colectividades Húmedas
25 mayo – Rivière de Plata. Mitologías hidráulicas del desarrollismo español
30 mayo – El Agua

CentroCentro, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, inaugura en los meses de marzo y abril tres nuevos proyectos expositivos. El 9 de marzo abrirá al público en la planta 3 la exposición Wet Dreams, como arranque de la programación de la tercera Bienal de Diseño y Arquitectura de Madrid, MAYRIT 2024. Comisariada por la arquitecta e investigadora Marina Otero Verzier, la muestra aborda el agua más allá de su comprensión como un recurso y explora su papel como catalizador en las relaciones ecosociales. Reúne los trabajos de una treintena de creadores y colectivos internacionales –proyectos de diseño e investigación, registros audiovisuales de espacios y prácticas populares, materiales de archivo, piezas de cerámica, fotografía…– que subrayan la importancia del agua y las materias fluidas en la creación de lazos de solidaridad, encarnación y deseo.

Espejito Espejito es una exposición que indaga en la metáfora del “espejo distorsionador” desarrollada por el sociólogo peruano Aníbal Quijano para describir cómo la cosmovisión eurocéntrica trató de imponer a los pueblos colonizados una autoimagen con la que neutralizar la autonomía y legitimidad de sus propias perspectivas históricas y culturales. 

Comisariada por Grandeza Studio, la muestra reúne a una diáspora rabiosa de artistas, diseñadorxs y arquitectxs cuyas obras redirigen la potencia “distorsionadora” del espejo hacia la construcción de ficciones disidentes del legado patriarco-colonial. Espejito Espejito invita a la audiencia a imaginar Nuevos Mundos descolonizados y des-binarizados desde el Museo de América —garante histórico y reservorio archivístico de la autoficción eurocéntrica actualmente inmerso en un proceso de reflexión y revisión de sus propios marcos discursivos. Un despliegue disonante, sincrético y transversal de obras existentes, obras nuevas, performances e intervenciones espaciales en el museo reivindican la autoficción como un instrumento para apuntar hacia nuevos horizontes de emancipación cognitiva.

La exposición plantea una reflexión sobre el futuro de las conexiones humanas en un momento en el que la tecnología avanza rápidamente y las dinámicas sociales evolucionan constantemente. Nos encontramos en una fase transformadora de nuestra historia relacional, donde la soledad y la compañía de inteligencias artificiales están en aumento, y las normas sociales y formas de relación están en constante cambio.

La exposición cuenta con la colaboración de BBVA, cuyas future designers contribuirán con la producción de una pieza para la exposición. Además, se ha invitado a una artista francesa para desarrollar un proyecto específico. Esta artista formará parte de la primera residencia Mayrit en colaboración con el Institut Français, LABoral y Formica.

Un kilogramo es un cilindro compuesto por una aleación de platino e iridio que se encuentra en la Oficina Internacional de Pesas y Medidas de París desde 1889. A pesar de las cuidadosas medidas de conservación a las que está sometido, a lo largo de los años el polvo ha sumado peso a este cilindro, mutando sus condiciones iniciales. Hay 6 copias más, ubicadas en distintos museos del mundo, y sus masas han ido variando entre sí con el tiempo sin que nadie sepa explicar el motivo. Sin embargo, con la aparición de lo digital se logra la precisión matemática, infalible y exacta a través de la computación.

El valor de los materiales físicos se basa en su localización geográfica, su abundancia en la naturaleza, el coste de su fabricación, sus dimensiones y peso, su coste de transporte y manufactura. Sin embargo, en el material digital ninguno de estos factores afecta al su valor. Es la propia ‘artesanía’ de su creador la que se lo confiere, siendo así el oro más ‘barato’ que el mármol, y ambos más ‘baratos’ que la tierra (a efectos de renderizado hiperrealista, un material es ‘barato’ en cuanto a los recursos computacionales que utiliza). Los objetos pertenecientes a la esfera digital se imprimen desde ordenadores portátiles y se traducen en hilos más o menos finos de materiales más o menos maleables sobre placas de vidrio o de plástico. Cualquier objeto es reproducible, la técnica se disipa en ceros y unos. La tecnología contemporánea es la mayor gestora de producción en masa de objetos con infinitos detalles. Y paradójicamente, todos estos objetos que pertenecen a lo digital en cuanto son impresos y toman cuerpo físico, dejan de ser precisos.

Esta exposición quiere reflexionar sobre la componente material de la creación digital: las ideas, valores y actitudes a ella asociados, pasados y presentes, a través de los acercamientos de cuatro artistas y creadores contemporáneos: Pulsa (Fran Toré e Irene Molina), ALV Adina, Gastón Lisak y Manel Bafaluy.

La exposición explora cómo el uso de técnicas artesanales en estos espacios creativos fomenta un diálogo profundo con las diferentes etapas de transformación de la madera, desde el bosque hasta el objeto final. Contaremos con la participación de entre 10 y 15 participantes para los talleres, cuyos resultados se expondrán en la Central de Diseño de Matadero.

Fun Furniture For Friends es el último proyecto del diseñador e ilustrador chileno Francisco Jordán, se trata de una colección incremental de objetos iniciada el 2021 y presentada por primera vez el año 2022. Un proceso de aprendizaje e investigación continuo, desde el diseño y la fabricación, definido por la coexistencia entre reglas, ingenio, ocurrencias y economía de medios.

El resultado es una familia de objetos con un declarado carácter gráfico determinado por la repetición de formas simples, el empleo de un solo material y el uso juguetón del color -sillas, lámparas, escobas, libreros, pipas, candelabros, animales, mesas, etc.  Un universo de líneas rectas y curvas, producto de una reflexión bien humorada sobre las nuevas necesidades y rituales domésticos.

El interior de la ballena, de ese «enorme pez», es a la vez un espacio de castigo y de salvación para Jonás, un espacio que le acoge, le protege del mar y desde el que es salvado. Ese espacio mítico, que la mente humana ha podido proyectar e imaginar en el interior de un pez gigante, permanece como lugar de leyenda, como un territorio en el que todos nosotros podemos terminar alguna vez. Así aparece también en el cuento infantil de Pinocho, en una escena en la que la ballena
también ejerce de castigo y salvación, un lugar imaginario y corpóreo, cuya viscosidad protege de la fluidez y violencia del agua. Con esta premisa presentamos Carne Suave.

Carne Suave es un cuerpo. Un cuerpo viscoso, templado y húmedo. Un cuerpo irremediablemente acogedor. Carne suave es un cuerpo que te traga, que te acoge dentro de sí para poder comerte, pero que a la vez te protege del exterior, un exterior frío y rígido. Carne suave es un cuerpo que te engulle y te digiere poco a poco, suavemente, hasta que sin haberte dado cuenta formas parte de él. Eres parte de esa materia viscosa que abraza lo que entra y lo integra en su ser, siempre suave.

Esta instalación propone una familia de luminarias textiles que alude a la flora autóctona mexicana, a través de la cual se pretende indagar en las historias compartidas entre México y España. Chile o pimiento, nopal o chumbera, elote o maíz, son términos que hoy se utilizan para referirse al mismo elemento, adaptado a cada territorio. 

Todos estos frutos necesitaron la luz del sol para crecer, formarse y pigmentarse. Una luz que de algún modo todavía llevan dentro. A través de su apariencia madura, se busca sacar esa luz al exterior, iluminando y recibiendo a los visitantes de la exposición.

El estudio y la observación de estos elementos vegetales, de sus formas y colores, de sus texturas y patrones, de sus orígenes y contextos, son el punto de partida de la propuesta de Kauani, un proyecto de Inés Quezada, diseñadora textil mexicana e Inés Llasera, diseñadora de producto madrileña.

Taller de Coctelería

Partiendo de los frutos mexicanos de la exposición de Kauani aprenderemos distintas maneras de comerlos y beberlos, a elaborar cócteles con ellos, a entender, equilibrar y a jugar con sus sabores y texturas.

21 mayo
M 18:00- 20:00

Dirección
Restaurante Puntanera

Esta exposición es una oportunidad para ver el talento de las nuevas generaciones de arquitectas y arquitectos que construirán nuestro futuro.

Aunque puedan parecer conceptos antagónicos, el fútbol y la cultura se relacionan con las
ciudades de forma parecida: ambos funcionan como generadores de espacios para el encuentro,
debate y celebración de una comunidad.

Bajo esta premisa, MATINAL y MAYRIT Bienal 2024 presentan una colaboración en la que
reflexionan sobre el sentimiento de pertenencia, la descontextualización del fútbol y su
integración en el espacio cultural de las ciudades, reinterpretando el campo de fútbol como
instalación.
Esta exploración concluye en la celebración de un evento en el marco de la bienal que primero
desvelará un campo de fútbol callejero temporal dentro de Matadero Madrid, con el mínimo
impacto en el entorno, inspirado por el concepto infantil de jugar a la pelota en la calle —basta con
un par de mochilas y abrigos para construir un terreno de juego. El evento continuará con la
celebración del clásico tercer tiempo deportivo, fomentando la generación de conversaciones y
sinergias entre las comunidades de Matinal y Mayrit, como culminación de la idea de post fútbol
que ambos defienden: ganar es importante, pero no lo es todo.

Desde Mayrit e IniziaZone creamos: “De la Realidad al Sueño”, se presenta  como un diálogo entre la saturación hiperreal de la contemporaneidad y el anhelo utópico de futuros alternativos. Un recorrido expositivo conformado por tres fases: La realidad, El Limbo y Los Sueños, donde varios artistas emergentes de modalidades diversas, mostrarán su obra.

Además de la exposición, contaremos con conciertos, dj sets, charlas y talleres, creando unas jornadas intensivas, con un ambiente lleno de creatividad, innovador e interesante.

Fuerza, unión y desarrollo de artistas emergentes en los ámbitos de lo musical, el diseño y el arte es tan solo un spoiler de lo que encontrarás en este evento…

Participantes

Xavier Bouzas
Iñaki Cancillo Mora
Orangerie & POST-OFFICE
Andrea Badía
Ferb Liébana
Reparto & Jesus Meseguer
Sergio Herrero
Ciudad Dormitorio
Elena Rocabert & Nessa Ellen Ryan
Clara Álvarez
Andrés Martí
Carlos Hache
D-SAS-3
KNZ
Clara Escalera
García-Mochales
Marina Álvarez

Desde Mayrit Bienal y Bate Social Store extendemos una invitación especial para artistas y/o diseñadores que quieran participar en el diseño de objetos que puedan tener la posibilidad de venta en Bate Social Store. 

Bate Social Store es una galería de arte y una tienda mutante. Se trata de un espacio físico ubicado en el histórico barrio de las letras en Madrid. Presenta una selección de artistas contemporáneos y marcas destacadas, tanto internacionales como locales, que cambian completamente el espacio por un tiempo limitado. Este nuevo modelo minorista utiliza el mismo concepto efímero que las galerías de arte contemporáneo: cada marca/artista habita Bate Social Store durante un tiempo determinado, convirtiendo el espacio en una experiencia cambiante según la marca o artista que lo ocupa temporalmente.

Junto con el equipo de Mayrit, esta edición del CALIPER Editions  Programme reimagina la emblemática silla de playa de madera. Fabricada con  tubos ovalados de aluminio cortados con láser y adornado con una tela  perforada y tapones de silicona, esta pieza ofrece una nueva interpretación de  la forma y los materiales, convirtiéndolo en un objeto de colección doméstico  contemporáneo.

KIOSKO 004 es una iniciativa de Tambourine a modo de exposición de publicaciones (libros, fanzines, revistas) de artistas y editoriales independientes. Para esta ocasión, Tambourine colabora con ACME y Vicent Orts para construir el espacio y el display. El display diseñado por Vicent es una nueva iteración de la unión AV90, que comenzó a desarrollar durante su residencia Misterioso Objeto en ACME. La residencia de Vicent se llevó a cabo en Ikigai, una ganadería de vacuno en la Sierra Norte de Madrid. Inspirado por las partes de un rastrillo, diseñó un sistema de conexiones versátiles hechas de perfiles de acero que permite ensamblar diferentes superficies, facilitando la creación de mobiliario modificable y adaptable.

En este KIOSKO 004, las publicaciones, recogidas mediante una convocatoria abierta, tratan cuestiones relacionadas con diseño modular, uniones, el mundo rural, low-tech, y autosuficiencia.

Concebidos como apliques individuales, al combinarse entre ellos se abstraen y conforman piezas donde la luz emitida pasa a ser algo anecdótico, reduciendo la forma a siluetas. Dichos artefactos funcionan como elementos colgantes, de pared o de suelo dependiendo como se realizan sus encuentros. Las formas y los materiales nos remiten a elementos empleados en un
estudio fotográfico, donde la luz y los aparatos son meras herramientas y nunca se suele hacer una lectura formal hacia el objeto. En la fotografía, la pérdida de luz supone un problema mientras que aquí su escasez es lo que nos muestra la forma.

El Radical Outdoors Club (ROC) es un grupo de excursión a lo rural que invita a abordar el pensamiento ecológico de manera activa y sensorial. Para esta colaboración con MAYRIT, ROC invita a una exploración de texturas y formas con el objetivo de formular una tipografía organica. 

¿Podemos entender el capitalismo como una patología adictiva? ¿Podemos diagnosticarnos y tratarnos como capitalistas como lo hacemos con otras adicciones? Este taller busca crear un espacio en el que hacer comunidad, resistir y sanar colectivamente.
Participantes

Proyecto desarrollado por Susanne Ewerlöf y el alumnado de Fluent: Praxis (2023).

El diseñador culinario Martin Planchaud propone una serie de instalaciones interactivas que redefinen los alimentos como un medio creativo. Las instalaciones invitan a los visitantes a involucrarse con la comida de maneras lúdicas y estimulantes inspirando nuevas perspectivas sobre la relación entre el arte y la nutrición.

Nos movemos en diferentes situaciones, desde consulting a la creación de eventos privados. Realizaremos un evento gastronómico exclusivo inspirado en el trabajo de Marina, trasladando conceptos de problemáticas, sociales, ecológicas y políticas en platos y experiencias comestibles.